Le vitrail postrévolutionnaire en France (1789 – XXᵉ siècle)

Destruction et oubli (1789–1830)

La Révolution française marqua une rupture décisive dans l’histoire pluriséculaire du vitrail. En l’espace de quelques années, des siècles de mécénat ecclésiastique s’effondrèrent : d’innombrables verrières furent brisées, démontées ou vendues comme symboles de l’oppression monarchique et religieuse. Dans la décennie qui suivit 1789, les églises furent profanées, les monastères dissous, les ateliers dispersés. Le vitrail — art indissociable de la liturgie et de la royauté — cessa presque complètement d’exister comme pratique vivante.

Sous le Premier Empire (1804–1815) et la Restauration, le vitrail survécut à peine, relégué au rang de curiosité antiquaire. Quelques artisans isolés, tels que Pierre Gaudin et François Ragueneau, réalisèrent de modestes panneaux héraldiques ou profanes, mais les grandes commandes ecclésiastiques demeuraient rares. L’art ne subsista que dans les premiers travaux de restauration de monuments historiques et dans les études érudites que l’on commençait à consacrer aux fragments médiévaux.

Le renouveau romantique et gothique (1830–1870)

Le renouveau du vitrail en France fut indissociable de la redécouverte romantique du Moyen Âge et du mouvement du gothique archéologique. La Monarchie de Juillet puis le Second Empire virent naître un nouvel engouement pour le patrimoine national, mené par des érudits comme Prosper Mérimée, Inspecteur des Monuments historiques, et Eugène Viollet-le-Duc, dont les restaurations à Chartres, Amiens et la Sainte-Chapelle ravivèrent l’intérêt pour le verre médiéval.

Un moment décisif survint en 1844 avec la fondation par Adolphe-Napoléon Didron des Annales archéologiques, revue qui codifia la théorie de l’iconographie chrétienne. Didron appela à un retour à la « vérité archéologique » de l’art gothique, inspirant une génération d’artistes et d’ateliers — parmi eux Henri et Alfred Gérente, Claudius Lavergne et Émile Thibaud — qui unirent érudition historique et expérimentation technique.

Au milieu du XIXᵉ siècle, le vitrail retrouva une place essentielle dans l’architecture religieuse. Des ateliers s’installèrent à Paris, Lyon et Chartres, produisant à la fois des restaurations et des vitraux neufs pour les milliers d’églises édifiées durant la reconstruction religieuse du Second Empire. Ces verrières se distinguent par la vivacité des couleurs, la précision du dessin et une fidélité scrupuleuse aux modèles médiévaux. Cependant, certains artistes — tel Lavergne — y introduisirent des influences classiques et académiques, reflet du dialogue esthétique entre Ingres et Delacroix qui marqua la peinture française de l’époque.

Expansion industrielle et ateliers régionaux (1870–1914)

À la fin du XIXᵉ siècle, le vitrail devint à la fois un art et une industrie. L’essor du réseau ferroviaire et l’urbanisation favorisèrent la construction de milliers de paroisses et de chapelles, toutes avides de décors verriers. De grands ateliers tels que Lobin (Tours), Gibelin (Orléans) et Fournier (Le Mans) diffusèrent leurs œuvres à travers toute la France et jusque dans les colonies, rationalisant la production par l’usage de cartons et de modèles reproductibles.

Parallèlement, de plus petits ateliers — Julien Fournier dans le Loir-et-Cher, Champigneulle à Paris et Bar-le-Duc, ou Rostand à Lyon — maintinrent un haut niveau de qualité et de rigueur iconographique. L’époque vit aussi la participation accrue d’artistes formés aux Beaux-Arts, qui collaborèrent avec les maîtres verriers pour intégrer un réalisme pictural et des dégradés subtils, rendus possibles par la peinture à l’émail et la maîtrise raffinée de la teinte à l’argent.

Le goût se déplaça vers des tons plus doux et une plus grande naturalité, en accord avec l’art dévotionnel de la Troisième République. Les vitraux de cette période présentent souvent des scènes narratives encadrées de baldaquins gothiques, mais exécutées avec la sensibilité picturale et la finition propres à l’art du Salon. Cette synthèse entre tradition et modernité culmine dans les cycles monumentaux de la fin du siècle — tels que les Vitraux de Jeanne d’Arc par Galland et Gibelin à la cathédrale d’Orléans (1893–1895) — unissant érudition historique, fierté nationale et style académique.

L’entre-deux-guerres et les générations modernistes (1918–1945)

La Première Guerre mondiale apporta son lot de destructions, mais aussi un élan de reconstruction. Dans les années 1920 et 1930, les ateliers Mauméjean Frères, Jacques Gruber et Louis Barillet adoptèrent les principes de l’Art déco et du modernisme, intégrant le vitrail à l’architecture contemporaine.

Le dessin se fit plus géométrique, les formes stylisées, la composition pensée en fonction de la structure du bâtiment. Des artistes tels que Barillet, Le Chevallier et Décorchemont expérimentèrent la dalle de verre (verre épais serti dans le béton) et le verre gravé ou plaqué, transformant la lumière en matière architecturale. Le vitrail cessa d’être purement illustratif pour devenir un élément constructif et symbolique du langage moderne.

Le renouveau d’après-guerre et l’abstraction spirituelle de la lumière (1945 à nos jours)

La Seconde Guerre mondiale provoqua de nouvelles destructions massives, mais aussi un extraordinaire renouveau de la création verrière. Les ateliers Simon-Marq à Reims et Loire à Chartres jouèrent un rôle déterminant dans cette renaissance.

Des artistes tels que Henri Guérin, Jean Bazaine, Roger Bissière et surtout Marc Chagall renouvelèrent profondément le langage du vitrail. Leur approche délaissa le récit littéral au profit d’une expression symbolique et abstraite, où la lumière devint le véritable sujet spirituel. Les vitraux de Chagall pour les cathédrales de Metz (1958–1968) et de Reims (1974), réalisés avec Charles Marq et Brigitte Simon, illustrent cette alliance entre peinture moderne et tradition verrière.

Dans les années 1970 et 1980, le vitrail français retrouva une reconnaissance internationale. Des créateurs tels que François Taureilles, Jean Le Moal et Catherine Menu explorèrent des thèmes abstraits et élémentaires — feu, air, terre, lumière — exprimant une spiritualité universelle. Les grands ateliers historiques, dont Atelier Simon-Marq et Atelier Loire, continuèrent à produire à la fois des restaurations et des œuvres contemporaines, assurant la continuité entre héritage et innovation.

Héritage et signification

Du saccage révolutionnaire aux verrières modernistes, l’histoire du vitrail français après 1789 est celle d’une résilience créatrice. Héritier du dialogue médiéval entre lumière et foi, l’art du vitrail a su s’adapter aux bouleversements politiques, culturels et esthétiques — du romantisme à la modernité, du symbolisme à l’abstraction — sans jamais perdre sa vocation première : unir la matière à la lumière, l’espace à l’esprit.

Aujourd’hui encore, le vitrail français demeure à la fois patrimoine et art vivant, un lien ininterrompu entre passé et présent. De Didron à Chagall, de la dévotion gothique à l’abstraction mystique, il témoigne de la puissance durable de la lumière comme langage du sacré et miroir de la création humaine.